1.1: Los deslindes y
la pérdida del espíritu de vanguardia
para entender un poco la perdida del espiritu de vanguardia en el arte moderno primero habria que pensar en el avance del arte moderno y situarnos en los valores del arte moderno valores que tienen su origen en el nacimiento de la ciencia moderna en el periodo de la ilustracion; el escritor michel houellebecq en su libro las particulas elementales tiene una teoria sobre mutaciones metafisicas en la cultura occidental. Al final de la edad media se inició este cambio o mutación
metafísica con el humanismo que despojo a dios como centro y medida de todas
las cosas pero no dejo de ser un
elemento importante, no fue hasta la ilustración que la lucha del cristianismo
contra las pasiones e impulsos considerados obra del diablo se traslapo a ser
considerados supersticiones o falta de auto control. Por otra parte la
explicación de esto también fue la base para una psicología empírica. Se trató
de explicar a base de razón todas las emociones, la aristocracia trata de
avalarse a sí misma generando reglas sociales racionales que frenan las
emociones y restringen los placeres, generando un comportamiento juguetonamente
artístico y artificiosamente artístico en fin un encumbramiento de una razón
empírica, que en el siglo XVIII Se topó
contra una reacción masiva que exaltaba el irracionalismo; el romanticismo que
se extendió hasta el siglo XIX. A partir de aquí derivada de esta lucha de la razón contra pasiones o lo irracional que
con las concepciones filosóficas de Hegel y Fichte pasaron a ser parte de la
psique humana se inaugura una dialéctica
que introspecciona por parte de diferentes artistas y autores que
encaminan el desarrollo de la psicología moderna cabria mencionar el cambio de
rumbo que algunas de estas
investigaciones de la psique no dejan de lado la revolución industrial factor
determinante para el desarrollo de la tecnología y la ciencia, llegando a
estudios artísticos y científicos concretos; así el psicólogo alemán Karl
Fortlag en su Sistema de psicología interpreta la conciencia como producto del
inconsciente inhibido, en literatura se desarrollan narrativas que consideraban
el mundo exterior como un reflejo de la psique.Sin embargo en toda esta evolución la conciencia sigue controlando los movimientos psíquicos se trata
de explicar racional y coherentemente los acontecimientos. Con la irrupción de los novelistas rusos por fin
se logra plasmar la vida interna del ser humano con su complejidad e
incoherencia más Los problemas morales y las argumentaciones racionales que se
mezclan en el devenir de la psique.
“Lleve a un soldado a
una batalla, póngale delante de un cañón y dispare, y él seguirá teniendo
esperanza; pero si a ese mismo soldado se le lee una sentencia de muerte
cierta, se volverá loco o romperá a llorar. ¿Quién dice que la naturaleza
humana puede soportar esto sin perder la razón? ¿A qué viene tamaña afrenta, cruel,
obscena, innecesaria e inútil?” El
idiota (fragmento) Fiódor Dostoyevski
Llegamos a un
entendimiento de la psique que no funciona de manera lógica si no a través de
nexos de razones vitales inaccesible para la razón. Así en el siglo XX el
subconsciente fue centro de atención de la investigación artística y científica.
Nace el Psicoanálisis, las nuevas técnicas narrativas como los monólogos
interiores, asociaciones libres, corrientes de conciencia. Se consideraron
diversos niveles de profundidad de la realidad que se extienden ad infinitum, pero gracias a esto se
amplió el campo de conciencia controlable o no, se exploran las estructuras de
los fenómenos en cuanto tales así desde los pintores post impresionistas, las
vanguardias artísticas y literarias
llegaron a una descomposición analítica del mundo de los objetos, este
predominio del subconsciente se apodero del acto artístico.
En la creación artística el inconsciente se torna raíz; el
artista se sumerge en algún nivel de
profundidad del inconsciente y trabaja a partir de lo que encuentra ahí, en su
libro de ensayos sobre Holderlin, Kleist y Nietzsche. Estefan Sweig llama
demonio a esta búsqueda en el inconsciente y hace la siguiente definición:
“Llamare demonio a esta
inquietud innata y esencial a todo hombre que lo separa de sí mismo y lo
arrastra hacia el infinito, hacia lo elemental. Es como si la naturaleza
hubiera dejado una pequeña porción de
aquel caos primitivo dentro de cada alma y esa pequeña parte quisiera
apasionadamente volver al elemento de donde salió: a lo ultrahumano, a lo
abstracto. El demonio es, en nosotros, ese fermento atormentador y convulso que
empuja al ser, por lo demás tranquilo, hacia todo lo peligroso, hacia el
exceso, al éxtasis, a la renunciación y hasta a la anulación de sí mismo. (…)
sobre el alma, reina ese poder misterioso que sale del cuerpo, esa fuerza
gravitante y fatal. Por lo demás, el hombre comedido anula esa presión extraña,
la sabe cloroformizar por medio del orden, porque el burgués es enemigo mortal
del desorden dondequiera que lo encuentre: en sí mismo o en la sociedad. Pero
en todo hombre superior, y más especialmente si es de espíritu creador, se
encuentra una inquietud que le hace marchar siempre hacia adelante, descontento
de su trabajo. Esta inquietud mora en todo «corazón elevado que se atormenta»
(Dostoievsky); es como un espíritu inquieto que se extiende sobre el propio ser
como un anhelo hacia el Cosmos.” la lucha contra el demonio (fragmento) Estefan
Zweig
En el caso de los referidos en el libro de zweig nos encontramos ante ese tipo de artista que
se autodestruye en esa lucha contra su
inconsciente, podemos tomar a Picasso y Kafka como casos en los que el
control del inconsciente requiere de una sensibilidad para dar a la luz obra genuinamente inconsciente
pero domada concientemente.
En contraposición estan los casos de la pintura
acción, el tachismo, la literatura beat, y cierta parte de dada que hacen del inconsciente
material deliberado y sin propósito, en pocas palabras dejan que se manifieste
este demonio, en pintura esta manifestación llega a obras de disposiciones
accidentales que se presentan a veces como abstracción; La abstracción se logra
mediante el acto de concentrar un fenómeno, un proceso, una impresión, una idea
en grado tal que su esencia quede al desnudo. Pero en cambio en el
expresionismo abstracto nada puede reconocerse como punto de partida para
abstraer estas obras de algo, estas
obras carecen de sustrato y más que abstracción es reducción o un nivel de abstracción
que despoja de sustancia que solo presenta el material concreto. El paradigma
de este nivel de abstracción no los presenta en el cuadro de Ad Reinhardt Pintura abstracta, un cuadro que no
ofrece ningún tipo de insinuación con el concepto arte que en este caso parece ser un proceso de vaciado para llegar
a la nada absoluta.
Esta reducción “abstracción” hacia los elementos materiales va directamente al
Pop art (el primer pintura posmoderna), al abandono de pintar en general y la exposición de objetos y fragmentos del mundo superpoblado y trastornado, residuos contrastantes de nuestra vida cotidiana, lo íntimamente familiar con lo
ridículamente corrompido (¿publicidad?) nos sumergen en ambientes de ironía y
rebelión desorientada, un arte de contrastes aguzados. Hay una desilusión un
sentimiento de inseguridad existencial un hombre despojado de contenido que
busca afirmarse en los objetos por que la insondabilidad del inconsciente
requiere de que los sentidos afirmen el ser de lo que no se puede controlar. Así
la naturaleza pura queda relegada a los reinos cósmicos, los objetos y los
seres genuinamente independientes ceden su papel a artefactos superficiales hay
un cambio en el ambiente humano que indican una transformación de una
existencia individual a una existencia colectiva. Las obras presentan una
coherencia conscientemente construida pero el divorcio de la acción y la
reacción psíquica hace de estas obras humanamente incompletas, indica un
terrible grado de desintegracióneste seria el por que del deslinde del espiritu de vanguardia.
Se dice que Frente a la idea de progreso, evolución e innovación
de las vanguardias artísticas, el arte posmoderno defiende la cultura popular,
la hibridación; se caracteriza por el eclecticismo, la mixtificación, el
«nomadismo» —ir de un estilo a otro—, la «deconstrucción» —tomar elementos
estilísticos del pasado—, etc. Así como la vanguardia se basaba en la innovación,
la experimentación, la evolución, los posmodernos vuelven a los métodos
clásicos, a la pervivencia de formas y estilos artísticos del pasado, creando
una mezcolanza de estilos, cayendo en la repetición, la reinterpretación; el
resultado es esta mezcla indiscriminada de temas y estilos.
Se incide en la tradición como vuelta a modelos clásicos de
programa artístico. El artista es libre para transitar en cualquier época o
estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores.
Suelen ser obras figurativas —aunque sin rechazar lo abstracto—, con
referencias iconográficas, con gusto por lo fragmentario. Los artistas
posmodernos recurren por igual al arte clásico y al de vanguardia, incluso los
movimientos artísticos inmediatamente anteriores a ellos. Asimismo, mezclan
imágenes del arte tradicional con el cómic, el grafiti, imágenes publicitarias
o de medios de comunicación de masas. También recurren a todo tipo de técnicas
artísticas, desde las tradicionales a las derivadas de las nuevas tecnologías.
Todo ello lo reinterpretan de una forma subjetiva, personal, pero de forma
indiscriminada e irreflexiva, sin pretender evocar algún tipo de concepto o
enviar ningún mensaje. Asumen el arte como objeto y como finalidad en sí mismo,
no como vehículo de transmisión de una realidad cultural circundante.
1.2: La
transvanguardia italiana
1.3: Un caso especial:
Miquel Barceló
1.4: la pintura
posmoderna en México